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Essa trajetória começou em 1905 pelas mãos do empresário Hans Wilsdorf, que começou sua carreira com uma loja de distribuição de relógios em Londres. Em uma época em que os relógios de bolso predominavam, Wilsdorf resolveu criar uma marca de relógios de pulso precisos, mas na época os modelos ainda eram extremamente delicados e suscetíveis a serem desregulados pelo contato com a água e a poeira. Depois de muitas pesquisas e testes surgia o Oyster, modelo mais emblemático da Rolex até hoje.

O livro traz ainda diversas curiosidades sobre a marca, como a escolha do nome Rolex. Entre os critérios para sua escolha estavam: tinha que ter no máximo cinco letras, ser fácil de pronunciar em qualquer língua, fácil de lembrar e possível de escrever com elegância em qualquer modelo de relógio.

Mas a Rolex entrou mesmo para a história graças a uma genial jogada de marketing: nos anos 50, patrocinou o alpinista Sir Edmund Hillary em sua escalada ao Everest, que bateu diversos recordes à época e mostrou a resistência dos relógios da marca. Daí em diante, repetiu façanhas com mergulhadores e pilotos de avião para mostrar que nada seria obstáculo ao funcionamento de suas joias.

A história foi tão bem escrita que hoje um Rolex antigo vale tanto quanto – ou até mais que – um novo. Modelos históricos, como o que pertenceu a Paul Newman, batem inclusive outro recorde: o de preço. Em um leilão realizado em outubro do ano passado, a relíquia (acima) atingiu o patamar de US$17,75 milhões e se tornou o relógio mais caro do mundo.

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Nessa minha última ida a Nova York, ao sair do ateliê de um artista, a caminho de uma galeria de arte, conheci por acaso a loja The Phluid Project, que tem essa característica genderfree. Eles têm acessórios, roupas, maquiagem e sex toys, e promovem uma nova experiência em compras.

Dessa vez, eu não comprei nada, mas uma amiga levou uma peça de roupa inusitada e em prata, que está super ‘in’. O conceito é “empoderar os indivíduos a serem eles mesmos, se expressarem abertamente, sem julgamento ou medo – apenas liberdade”. Achei o máximo.

A loja genderfree, autointitulada como “parte comércio, parte comunidade”, tem um ambiente divertido e leve, e fica na Avenida Broadway, 684. Vale a visita!

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Com curadoria de André Sturm, cineasta e ex-diretor do MIS, a exposição busca traçar um panorama da vida e obra do diretor, falecido em 1980, com uma cenografia imersiva e interativa, que propõe levar o visitante a um set de filmagem.

O objetivo é apresentar a faceta controladora e detalhista de um dos maiores diretores de cinema da história. Os bastidores de seus filmes têm muita história para contar porque o britânico cuidava de todas as etapas e processos de seus filmes, desde o pré-roteiro até a finalização e edição dos longas, passando pela direção de arte, direção de fotografia e até indicação de como seria o design do pôster e seu plano de divulgação.

A exposição sobre Hitchcock no MIS apresenta aspectos que tornaram suas obras audiovisuais grandes sucessos, com técnicas e elementos artísticos à frente do seu tempo. Desde uma grande coleção pessoal de fotos e manuscritos de Alfred Hitchcock, doados pela única filha do cineasta, Patrícia Hitchcock, e por sua neta, Tere O’Connell Nickel, até peças garimpadas em acervos pessoais e de instituições (como a CEDOC TV Cultura).

São manuscritos, storyboards, croquis de figurinos, cartazes e materiais de divulgação dos filmes, como kits de imprensa e matérias de jornais e revistas. Sem contar um rico material audiovisual, caso de trechos de filmes do início da carreira do diretor, que assina grandes clássicos dos anos 40, 50 e 60. Entre os destaques, “A sombra de uma dúvida”(1943), “Janela indiscreta” (1954), “Um corpo que cai” (1958), “Psicose” (1960) e “Os pássaros” (1963).

Fotos: Reprodução/Instagram @mis_sp

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Com o projeto “Horse Takes King”, Laura Lima apresentou um experimento excêntrico em que buscava alterar os sentidos do espectador, instalando na Cisterna do museu três grandes esculturas para expressar um sistema taxonômico que remete ao absurdo. Nesse sentido, “Bird” (2016), “Pendulum” (2018) e “Telescope” (2018) se apresentam ao observador como um sistema gravitacional com uma configuração em linha reta de três corpos celestes.

Para quem quiser conhecer de perto o trabalho de Laura Lima, mas não tiver uma viagem marcada para a Itália, a Pinacoteca de São Paulo traz uma mostra da artista até o dia 8 de outubro. Intitulada de “Alfaiataria”, a exposição acontece ao vivo. Ou seja, à medida em que as obras vão sendo realizadas, elas são penduradas no octógono, onde já se apresentaram artistas importantes do cenário das artes. As molduras de Laura me fizeram lembrar de um tríptico que vi e quase comprei na Art Basel de Miami em 2013.

Os alfaiates que trabalham na mostra são formados pela Associação dos Alfaiates de São Paulo. Eu adorei a ideia porque é uma valorização de profissionais novos no mercado graças ao slow fashion, que está em alta por trazer uma reflexão sobre o tempo e o valor do trabalho.

Além do mais, curti porque achei muito diferente ver essa contemporaneidade ao lado de obras de artistas célebres como Tarsila do Amaral, Guignard, Pancetti e Brecheret. Vale a visita.

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O Drone Awards elege os melhores em seis categorias, entre amadores e profissionais e, este ano, recebeu mais de 4.400 inscrições, vindas de 101 países. A iniciativa de premiar as melhores fotos feitas com drone é da Art Photo Travel Association, que percebeu um nicho cada vez mais crescente de produção de imagens (espetaculares, diga-se de passagem).

Só no ano passado foram 3 milhões de drones produzidos e vendidos, um número 39% maior em relação a 2016. “Separamos essa premiação dos demais prêmios de fotografia propositalmente, diz o site da Art Photo Travel Association, que elegeu cinco jurados para selecionarem os vencedores.

A foto do ano é que abre esse post. Intitulada Above The Polar Bear, é de autoria de Florian Ledoux. No mínimo, impressionante. Confira agora as fotos feitas com drone campeãs nas seis categorias:

Abstrato

Natureza

Pessoas

Esporte

Vida Selvagem

Urbano

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Tão apaixonados quanto os brasileiros, os italianos ficaram arrasados com o fato de não terem passado das eliminatórias e até uma exposição fizeram para homenagear os fãs da Azzurra. Em cartaz até 22 de julho no Complesso di Santa Maria Novella, em Florença, a mostra “Fanatic Feelings: Fashion Plays Football” foi lançada junto com o Pitti Uomo e está imperdível, não só para quem gosta do esporte. Isso porque ela relaciona moda e futebol.

Com curadoria de Markus Ebner, fundador das revistas de moda alemãs Achtung Mode e Sepp Football Fashion, e Francesco Bonami, crítico de arte contemporânea, a mostra é uma apresentação multimidiática das relações entre os dois universos.

A começar pelo impacto do futebol no universo da moda masculina – com a fusão entre alfaiataria e sportswear – e seguindo pelas celebridades, a exposição traz um panorama bem interessante. Quer ver?

Não é de hoje que designers criam coleções inteiras inspiradas no esporte, nem que os jogadores de futebol ocupam a primeira fila em desfiles de moda ou até estrelam como modelos em campanhas. Pois é. Para mostrar isso, ilustrações de Karl Lagerfeld e Hiroshi Tanabe de jogadores de futebol famosos se combinam aos ricos arquivos da revista Sepp Football Fashion, de 2002 a 2018, com jogadores como Kaká, Edinson Cavani, Jérôme Boateng ou Mesut Özil. Também é bacana a apresentação do documentário “Zidane: Um retrato do século 21”.

A exposição também traça a vida de ícones de futebol e entusiastas da moda, como George Best, Eric Cantona ou Gigi Meroni, que ajudaram a criar laços estreitos entre o futebol e os looks masculinos. E uma seção especial de fotos de street style destacará David Beckham, Neymar e Franck Ribéry em suas roupas de lazer. É claro que também tem um espaço para a seleção italiana, a Azzurra, em uma sala que celebra a história, a tradição e os valores do futebol italiano. Fanáticos não podem perder.

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Ocupando 218 metros quadrados no térreo da Japan House, a Muji oferece uma experiência completa pela simplicidade do design japonês. A filosofia da marca é a praticidade do processo de fabricação e a funcionalidade dos produtos. Incentivando um consumo racional, nada aqui é demais ou sobra.

A seleção feita para a Muji pop up em São Paulo traz itens de papelaria, decoração e organização. Entre os destaques estão as malas de viagem (a partir de R$ 1.800), os pufes (a partir de R$ 1.600), os cadernos de papel reciclado (a partir de R$ 9) e as almofadas de pescoço (R$158). E atenção para os detalhes dessas almofadas: preenchidas com cerca de 5 milhões de micropérolas, elas prometem se encaixar perfeitamente no formato do pescoço.

Sobre a Muji

Fundada no Japão em 1980, a Mujirushi Ryohin, (Muji em japonês se traduz como “artigos de qualidade sem marca”) oferece uma ampla variedade de produtos, incluindo papelaria, vestuário e alimentos. Baseia-se em três princípios fundamentais desde sua fundação: seleção de materiais e simplificação de processos e de embalagens. A loja pop up funciona de terça a sábado das 10 às 22 horas e aos domingos e feriados das 10 às 18 horas.

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Um dos maiores ícones de estilo da música mundial anunciou recentemente sua aposentadoria. Depois de 33 álbuns de sucesso, Elton John, 70 anos, disse que sua nova prioridade é a família. “Tenho dois filhos e um marido, quero ser parte da vida deles”, falou.

O cantor sairá, porém, em uma turnê de despedida, a Farewell Yellow Brick Road, que deve partir dos Estados Unidos no dia 8 de setembro e vai rodar o mundo por três anos. O que está dando o que falar é o figurino escolhido por Elton John.

Assinados por ninguém menos que Alessandro Michele, diretor criativo da Gucci, os looks trazem a exuberância que é sua assinatura. Michele já se inspirou em John na coleção verão 2018 da Gucci e agora chegou o momento de retribuir.

A jaqueta bordada nas costas com as iniciais EHJ, de Elton “Hercules” John, é uma das it-peças. Mas se a gente quiser ver de perto vai precisar viajar, pois a turnê não tem o Brasil na agenda.

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A Galeria da Universidade das Artes de Bournemouth (AUB) em colaboração com a Faculdade de Arte, Design e Arquitetura da Universidade e Zaha Hadid Architects (ZHA) apresentam a mostra “Zaha Hadid Architects: Evolution”, uma exposição que explora como o estúdio da falecida arquiteta iraquiana desenvolveu seus processos de design ao longo da últimos trinta anos para criar alguns dos edifícios mais criativos do mundo.

Apresentando o arquivo de design completo de um edifício criado pelo ZHA – o Centro de Arte Contemporânea em Cincinnati, EUA – juntamente com projetos atuais que usam processos de design digital, como realidade virtual, a exposição descreve a jornada do escritório de arquitetura ao passar dos métodos analógicos para os digitais.

Cada um dos projetos baseia-se em mais de trinta anos de exploração e pesquisa nos campos de urbanismo, arquitetura e design. A exposição detalha a progressão do trabalho dos arquitetos: desde os primórdios desconstrutivistas de Zaha Hadid até a fluidez dos projetos atuais apresentados na forma de impressões 3D.

Através de modelos feitos à mão, esboços, desenhos, renderizações de computador, animações, pinturas, modelos impressos em 3D, protótipos e vídeos, a exposição oferece uma visão das diferentes mídias que desempenharam um papel fundamental no desenvolvimento de projetos em toda a história do escritório ZHA.

A mostra, com curadoria de Christian McLening e Woody Yao, vai até o dia 19 de abril.

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